CONVERSACIÓN ENTRE PHILIPPE DECRAUZAT Y GUILLERMO ROMERO PARRA:
1 de Febrero de 2013

G.R.P: Francesco Lo Savio hizo en 1962 una obra titulada Articulazzione totale, que trataba de la luz, del espacio, de la arquitectura, conceptos fundamentales en tu obra. ¿En qué medida haces referencias a Lo Savio en la escultura Myodesopsia, la obra que ocupa el espacio principal de la galería?

P.D: Esas esculturas de Lo Savio estaban compuestas de una placa negra de metal curvada dentro de un cubo blanco, y establecían relaciones de positivo, negativo, recto-verso, cóncavo, convexo, jugando de manera evidente con la luz.
Myodesopsia se compone de una línea recta que termina con una curva, su dibujo se despliega desde un punto cero para alcanzar una cierta altura. Es un elemento arquitectónico tomado de la Villa Malaparte (Italia), que se encuentra en la terraza-solarium. Puntuación gráfica que proyecta una sombra sobre el suelo. Único elemento vertical que se alza como una pantalla frente al sol.
Francesco Lo Savio tal vez conocía esta arquitectura?

G.R.P: Cuando me hablaste de adaptar la forma original del “Muro della vela” de la casa Malaparte, por qué has decidido fragmentarla en dos partes y mantener su dimensión original?

P.D: Se trata de insertar una arquitectura dentro de un espacio existente. Las dimensiones del espacio que la recibe importan poco. Es como una herramienta de medida que se despliega, desenrolla o fragmenta según el tamaño del contenedor. De la misma manera la cámara diseca esta misma estructura en varios planos de la película de Godard, Le Mépris (El Desprecio ) (1963).
Una escultura en dos partes que segmenta el espacio. Quería varias circulaciones posibles para que nuestra relación con las pinturas ya no se pueda establecer únicamente de manera frontal.

G.R.P: Cual es la relación que existe entre la ciencia y tub última serie de cuadros?

P.D: Como es a menudo el caso, preexiste una imagen. En este caso concreto, se trata de la portada de la revista de vulgarización científica Scientific American de 1963, dedicada a los “moirés patterns”. El artículo trata del uso que hace la ciencia de estas representaciones gráficas, desmostrando la capacidad que tienen para revelar, en una secuencia regular, variaciones, cambios de ritmo, o interferencias.
Mi trabajo alrededor de esta ilustración empezó años atrás, cuando tomó primero la forma de una pintura mural que se desarrollaba de manera cinemática en el espacio de exposición de Le Plateau en Paris (2011).
En paralelo, había empezado aislando algunos fragmentos de esta imagen para realizar shaped canvas monocromos, simple composición a base de diagonales, de intersecciones o de elementos simples; letras, signos, formas abstractas que se desarrollan en una gramática formal por una orientación scopica; permutaciones que puntuaban varias de mis exposiciones.
En el caso presente, vuelvo a la imagen de origen, conservando las superposiciones de colores para desarrollar una especie de « fuera de campo ».
¿Cómo continúa la imagen fuera de su encuadre?!
Traducción gráfica de un fenómeno o señal que actúa sobre la percepción?

La última etapa sale ahora mismo de la imprenta. Mathieu Copeland me ha invitado a realizar la portada del catálogo "Gustav Metzger, Auto-creative Art". Confrontado a un nuevo contexto y de vuelta a su soporte de origen, este “expanded pattern” está cargado con todas las etapas precedentes. La circulación paranoica de una imagen.

G.R.P: Respecto al título de la exposición "Corps Flottants”. Nos puedes decir qué relación tiene con "Myodesopsia"?

P.D: "Myodesopsia" son manchas que toman la forma de puntitos, círculos, líneas, telas de arañas presentes en el humor vítreo del ojo. Están visibles proyectando una sombra sobre la retina. Estos “floatters” son “imágenes fisiológicas” generadas por el cuerpo, “Corps flottants” (“cuerpos flotantes”) es su apelación común.

G.R.P : Hablas de efectos visuales cuya fuente está dentro del ojo mismo?

P.D: Es un interior que Luis Buñuel ya había puesto en evidencia por medio de su cuchilla. Imagen persistente del cine, el ojo seccionado de la mujer que deja derramarse el humor vítreo. Una proyección del ojo sobre el exterior.

G.R.P: Recuerdo que en conversaciones anteriores mencionabas la obra de Lazlo Mohaly-Nagy Lichtspiel Schwarz Weiss Grau (1930) y que lo que más te interesaba era el proceso de realizar una película partiendo de una escultura existente. En Light space modulator (2002), instalada justo en la entrada de la galería (en una sala más oscura), hiciste lo contrario. La pieza ejerce una interacción directa sobre la percepción del espectador. Es intencionado localizarla como la primera obra de la exposición?

P.D: Hice esta escultura luminosa en 2002 justo antes de empezar a crear objetos-films y la imagino como una especie de cine arcaico, únicamente compuesto de pulsaciones luminosas. Las dos fuentes luminosas siguen una partitura rítmica de una duración de 11 minutos que se repite en bucle. Se trataba de desarrollar una corta secuencia de la película “El exorcista II”, en la que se ve a los dos protagonistas siendo hipnotizados por una lámpara sincronizada sobre el ritmo cardiaco. Consta de un sistema cerrado sin principio ni fin que interactúa
directamente con el primer espacio expositivo, que también resulta ser el último espacio.
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El enfoque de Philippe Decrauzat (Lausanne, 1974) se caracteriza en primer lugar por un interés hacía un repertorio de formas que han contribuido a definir el campo específico de la abstracción, por observar sus distintos desarrollos antes de apropiárselos.
La observación es la del campo del arte, pero también de cualquier otro campo sobre los que aquellas formas, figuras, pueden haber tenido una ocurrencia real: el grafismo, la arquitectura, pero también la ciencia, el cine
incluso la literatura o la música.
Esas distintas fuentes, que se cruzan para otras tantas correspondencias, de analogías de orden formal, traducen el cuestionamiento por parte del artista de aquella visión idealista que caracterizó al arte abstracto durante mucho tiempo. A un espacio ideal, cortado de nuestra realidad material, se opone la experiencia múltiple y todo un conjunto de figuras que nos pueden cautivar por su radicalidad pero también por los diferentes juegos que uno hace de ellos.
Esta forma de experiencia, Philippe Decrauzat intenta mostrárnosla a través de obras e instalaciones que solicitan activamente nuestra percepción. Al mismo tiempo, se ingenia en compensar esos efectos por una forma de puesta en perspectiva que nos vuelca regularmente del lado de la representación; por una puesta a distancia – impidiendo nuestro deslumbramiento total-.

Philippe es co-fundador del espacio independiente CIRCUIT (Lausana), profesor en el ECAL. En los últimos años ha expuesto individualmente en Centre d'édition Contemporaine, Geneva, CH., House of Art Ceské Budejovice, Ceské Budejovice, CZ., Le Plateau/FRAC Ile de France, Paris, FR., Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, Lausanne, CH., HausKonstruktiv, Zurich, CH., Les Abattoirs, Toulouse, FR., Secession, Wien, AT., Centre d’Art
Contemporain, Geneva, CH o el Swiss institute, New York, NY, US entre otros.
Próximamente participará en exposiciones en el Grand Palais, Paris, Fr. (“Dynamo, 10.04.-20.07.13) y en el MOMA, Museum of Modern Art, NY, US (“Abstract Generation: Now in Print”, 15.03-24.06.13).

CONVERSATION BETWEEN PHILIPPE DECRAUZAT AND GUILLERMO ROMERO PARRA:
1st February, 2013

G.R.P: Francesco Lo Savio made in 1962 a piece entitled Articulazzione totale dealing with light, space, architecture, which are also fundamentals concepts in your work. To what extent do you refer to Lo Savio through the sculpture Myodesopsia, the piece exhibited in the main gallery space?

P.D: These sculptures by Lo Savio were composed of a black plate curved inside a white cube and forming a connection of positive-negative, recto-verso, concave, convex, playing with the light in an obvious way.
Myodesopsia is made up of a straight line ending with a curve, its drawing spreads from a ground zero point to reach a certain height. This is an architectural element taken from the Villa Malaparte (Capri, Italy) located on the terrace-solarium. Graphical punctuation projecting a light on the floor. Unique vertical element standing in front of the sun.
Maybe Francesco Lo Savio did know this architecture..

G.R.P: When you talked to me about adapting here the original form of the “Muro della vela” from the Casa Malaparte, why did you decide to fragment it into two parts and to maintain its original dimension?

P.D: It’s about inserting an architecture into an existing space. The dimensions of the space that receives it doesn’t matter much. It’s like a measurement tool that we should unfold, unroll or divide according to the size of the container.
In the same way, the camera splits up this same structure in several shots of Godard’s film, Le Mépris (Contempt) (1963).
A sculpture in two parts dividing the space. I wanted several ways of moving around, not only to watch the paintings from the front.

G.R.P: What relationships exist between science and your last painting series?

P.D: As it often happens, an image preexists. In this case, it is the cover of the popular science magazine Scientific American from 1963, dedicated to the “moirés patterns”. The article develops the use that the science makes of these graphical representations, showing their capacity to reveal, in a regular sequence,
variations, changes of rhythm, or interferences.
My work around this illustration started years ago, when it took for the first time the shape of a mural painting developed in a cinematic way in the space of Le Plateau in Paris (2011).
In parallel, I had started isolating a few fragments from that image in order to make monochromes “shaped canvas”, simple composition based on diagonals, intersections or simple elements; letters, signs, abstract forms developed in a formal grammar for a scopic orientation; permutations that were punctuating some of
my shows.
In this case, I go back to the original image, keeping the superposition of colors to develop a kind of “hors champ” (“off camera”).
How can an image continue out of its frame?
Graphical translation of a phenomenon or sign that tricks our perception?

The last version is just coming out from print. Mathieu Copeland invited me to make the cover of the catalogue "Gustav Metzger, Auto-creative Art". Confronted with a new context and back to the original support, this "expanded pattern” is charged with all the previous steps. The paranoid circulation of an image.

G.R.P: As for the title of the show, “Corps Flottants”, could you please tell us what does it have to do with “Myodesopsia”?

P.D: “Myodesospsia” are spots found in the eye vitreus humor, that take the form of dots, circles, lines, spider webs. They become visible by projecting a shadow on the retina. These “floatters” are “physiological images” generated by the body; “Corps flottants” is their common name.

G.R.P: Are you talking about visual effects whose source is housed inside the eye?

P.D: Luis Buñuel has already been highlighting this interior with his razor. Persisting image, the cut eye of the young woman which lets the vitreus humor spills out. A projection of the eye onto the outside world.

G.R.P: I remember that in previous discussions you were mentioning the piece by Lazlo Mohaly-Nagy Lichtspiel Schwarz Weiss Grau (1930), and that the process of making a film through an existing sculpture was of most interest to you. In Light space modulator (2002), installed right at the entrance of the gallery (in a darker area), you did the opposite. This piece plays a direct interaction upon the spectator’s perception. Did you intentionally place it as the first piece of the show?

P.D: I made this luminous sculpture in 2002 just before I started creating objects-films and I imagine it as a kind of archaic cinema, only made of luminous pulsations. The two luminous sources follow an 11 minutes rhythmic score, repeated in a loop. The aim was to develop a short sequence of the movie The exorcist II, in which the two characters are being hypnotized by a lamp synchronized on the cardiac rhythm. This is a closed system, without beginning nor end, that interacts directly with the first exhibition space that also turns out to be the ast space.



Philippe Decrauzat (Lausanne, 1974)’s approach consists in the first instance in developing an interest in a repertory of forms that contributed to define the specific field of the abstraction, and observing their differing developments, before re-appropriating them for himself.

Observing the field of art, but also any other area on which these forms, figures may have had a real occurrence: graphism, architecture, but also science, cinema or even literature or music.

These different sources, that intertwine with as many correspondences, convey the challenge made by the artist to this idealistic vision that abstract art has long incarnated. An ideal space, detached from our material reality, is in contrast with the multiple experience of all fields, in a set of figures which may captivate us by their radicalness and by the different interplays made of them. Philippe Decrauzat attempts to hand us this form of experience through works and installations actively summoning us to exercise our perception.

At the same time, he strives to counterbalance these effects by the means of an overall perspective that regularly guides us towards the representation; by distancing (preventing us from total blindness).

Philippe Decrauzat is co-founder of the independent space CIRCUIT (Lausanne, CH.), professor at Ecole Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL). In the past few years, he had solo exhibitions at Centre d'édition Contemporaine, Geneva, CH., House of Art Ceské Budejovice, Ceské Budejovice, CZ., Le Plateau/FRAC Ile de France, Paris, FR., Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, Lausanne, CH., HausKonstruktiv, Zurich, CH., Les Abattoirs, Toulouse, FR., Secession, Wien, AT., Centre d’Art Contemporain Geneva, CH or at Swiss institute, New York, NY, US among others.
He will son participate in exhibitions at the Grand Palais, Paris, Fr. (“Dynamo, 10.04.-20.07.13) and MOMA, Museum of Modern Art, NY, US (“Abstract Generation: Now in Print”, 15.03-24.06.13).

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