SOUND ART BENEATH THE EXPANSIVE SHADOW OF FLUXUS
MARCELDUCHAMP, JOHN CAGE, NAM JUNE PAIK, GEORGE MACIUNAS, WOLF VOSTELL, YOKO ONO, CHARLOTTE MOORMAN, PHILIP CORNER, JOSEPH BEUYS, ANNEA LOCKWOOD, MILAN KNIZAK, JOAN LA BARBARA, KAREL APPEL, LA MONTE YOUNG, DICK HIGGINS, JOSÉ IGES, LUIS SAN SEBASTIÁN, GUILLERMO CONI MOLINA, LARGEN & BREAD, JUD YALKUT, BEN PATTERSON, UGO MULAS, AMONG OTHERS.
AMONG MANY OTHERS
from 22 May – 26 July 2025
Curated by Javier Panera
ESTE PROYECTO ES UNA COPRODUCCIÓN CON EL SERVICIO DE ACTIVIDADES CULTURALES DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
Marcel Duchamp Esquivons Les Ecchymoses Des Esquimaux Aux Mots Exquis, 1968
© 2025 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Estate of Marcel Duchamp.
Parrra & Romero se complace en presentar nuestra nueva exposición colectiva comisariada por Javier Panera.
FLUXUS nace entre los años 60 y 70 del siglo XX como respuesta ante la concepción del arte como producto. Así, inmerso en las artes visuales y atravesado a su vez por la música, la literatura y la danza, se trata de un movimiento autoproclamado como artístico-sociológico que tiene diversas expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.
Decía George Maciunas, artista, galerista y miembro fundador del movimiento Fluxus, que el arte “debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, sin necesidad de dominar técnicas especiales y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional”. Bajo este paraguas, la mirada artística de Fluxus no trata de buscar una renovación lingüística sino más bien separarse de cualquier lenguaje específico y adoptar medios y materiales diferentes que apuntaran hacia un “arte total”.
Music Shattered. Sound Art Beneath the Expansive Shadow of Fluxus pretende mostrar, a través de una nutrida muestra artística y documental, la indiscutible influencia que aquel movimiento tuvo para las generaciones que estarían por venir pero también los vínculos que estableció con otros movimientos que compartieron tiempo y espacio como el minimalismo y el arte conceptual. Toda una generación que fue fundamental para comprender la legitimación del arte sonoro, la performance, el happening y otras derivas al margen de la representación tradicional.
Tomando como punto de partida el dadaísmo, el surrealismo y el arte conceptual, el movimiento FLUXUS nace, informalmente, en el festival de Wiesbaden en septiembre de 1962 bajo el impulso del artista lituano George Maciunas, como un “juego entre conspiradores” en el que se hace dialogar la música, las artes visuales, el arte sonoro, la poesía experimental, la acción performativa y el videoarte.
Esta “visión expandida de las artes” se materializó en iconoclastas happenings de contenido sonoro-musical que incluían puestas en escena poco ortodoxas que, a menudo, finalizaban con el violento sacrificio de los instrumentos. En FLUXUS, no importa el virtuosismo instrumental sino “la atmósfera sonora que se crea tras cada ruptura (…)” por eso, cada vez que se prende fuego a un piano, se arrastra un violín por el suelo o se rompe el mástil de una guitarra, el acto enmudece al público, pero luego, cada una de estas acciones puede llegar a convertirse en un poderoso dispositivo de reflexión.
FLUXUS podría ser considerado en este sentido como el primer movimiento de vanguardia originado en el campo de las artes visuales que se infiltró -como un Caballo de Troya- en el territorio de la música culta utilizando sus códigos, sus métodos de composición e interpretación e incluso sus sistemas de notación, -para violentarlos y deconstruirlos desde dentro- aunque sin renunciar a las posibilidades de redefinir el “arte de la escucha”, por lo que, como se puede apreciar en esta exposición, su producción discográfica fue muy abundante.
Los artistas FLUXUS intentan sacar a la música de su zona de confort, por lo que, tanto sus “conciertos” como sus grabaciones fonográficas se nutren de exploraciones procesuales del sonido, la materia, el tiempo y la acción corporal; pero además, se posicionan críticamente frente a la veneración del intérprete, la inviolabilidad de la partitura o la sacralización del instrumento y la sala de conciertos.
La violenta destrucción de instrumentos conlleva, en este sentido, un aporte simbólico que ha sido convertido en estrategia procesual por decenas de músicos de diferentes épocas, tanto de la vanguardia experimental como de la música popular. Por todo ello, las obras y grabaciones discográficas seleccionadas para algunas secciones de la exposición intentan poner al descubierto los hilos invisibles que conectan las acciones performativas de artistas FLUXUS como Wolf Vostell, Annea Lockwood, Nam June Paik, Milan Knížák, Benjamin Patterson o Charlotte Moorman con las grabaciones y puestas en escena de músicos de rock como Jimi Hendrix, The Beatles, Lou Reed, The Clash, Einstürzende Neubauten, o Sonic Youth.
Al mismo tiempo, tal y como se aprecia en los procesos creativos de artistas como Yoko Ono, La Monte Young, Alison Knowles, Dick Higgins, George Brecht, Robert Filliou, Ben Vautier o Philip Corner, sus obras se apartan en ocasiones del mundo de la música “audible” y se dirigen al de la “música visual” o al de la “acción sonora” en radicales composiciones que se presentan en forma de “eventos”, «conciertos de lo cotidiano» o simplemente: “la música de la acción que anima las cosas”.
Parrra & Romero is pleased to present our new exhibition curated by Javier Panera.
FLUXUS emerged between 1960s – 1970s as a response to the conception of art as a product. Thus, immersed in the visual arts and influenced by music, literature, and dance, this self-proclaimed artistic-sociological movement found diverse expressions not only in United States but also Europe, and Japan.
George Maciunas, artist, gallery owner, and founding member of FLUXUS, said that art “should be simple, entertaining, and unpretentious, without the need to master special techniques and without aspiring to any kind of commercial or institutional value.” Under this umbrella, the artistic vision of FLUXUS doesn’t seek a linguistic renewal but rather a break from any specific language and adopt different media and materials that point toward the idea of “total art.”
Shattered music. Sound Art Beneath the Expansive Shadow of Fluxus aims to show the indisputable influence that it had on the generations to come, as well as the connections it developed with other contemporary movements such as Minimalism or Conceptual Art. An entire generation that was fundamental to understand the legitimization of important sound art, performance, the happening, and many others derived from action art.
Taking Dadaism, Surrealism, and Conceptual Art as its starting point, FLUXUS was born informally at the Wiesbaden Festival in September 1962, under the leadership of Lithuanian artist George Maciunas, as a “game between conspirators” in which music, visual arts, sound art, experimental poetry, performance art, and video art were brought into dialogue.
This “expanded vision of arts” materialized in iconoclastic happenings with sound and music content that included unorthodox stagings that often ended with the violent sacrifice of instruments. In FLUXUS, what matters is not instrumental virtuosity but rather “the sonic atmosphere that is created after each break (…)” which is why, every time a piano is set on fire, a violin is dragged across the floor or a guitar neck is broken, the act silences the audience, but later, each of these actions can become a powerful device for reflection.
In that sense, FLUXUS could be considered the first avant-garde movement originating in the field of visual arts to infiltrate—like a Trojan Horse—the territory of art music, using its codes, its methods of composition and performance, and even its notation systems—to pervert and deconstruct them from within—without renouncing to the possibility of redefining the “art of listening.” Therefore, as can be seen in this exhibition, their recorded output was abundant.
FLUXUS artists attempt to take music out of its comfort zone. Therefore, both their concerts and recordings are informed by processual explorations of sound, matter, time, and action. They also take a critical stance against the veneration of the performer, the inviolability of the score, and the sacralization of the instrument and the concert hall.
The violent destruction of instruments entails, in this sense, a symbolic contribution that has been transformed into a processual strategy by dozens of musicians from different eras, both from the experimental avant-garde and popular music. For all these reasons, the works and recordings selected for some sections of the exhibition attempt to uncover the invisible threads that connect the performative actions of FLUXUS artists such as Wolf Vostell, Annea Lockwood, Nam June Paik, Milan Knížák, Benjamin Patterson or Charlotte Moorman with the recordings and performances of rock musicians such as Jimi Hendrix, The Beatles, Lou Reed, The Clash, Einstürzende Neubauten, or Sonic Youth.
At the same time, as can be seen in the creative processes of artists such as Yoko Ono, La Monte Young, Alison Knowles, Dick Higgins, George Brecht, Robert Filliou, Ben Vautier and Philip Corner, their works sometimes move away from the world of “audible” music and towards that of “visual music” or “sound action” in radical compositions that are presented in the form of “events”, “concerts of the everyday” or simply: “the music of action that animates things”.
Emmett Williams, George Maciunas, Benjamin Patterson, Dick Higgins, Alison Knowles, Philip Corner’s Piano Activities, Fluxus Internationale Festpiele Neuester Musik, auditorium of the municipal museum, Wiesbaden, Photo: DPA © 2015 Philip Corner. Digital images © Museum of Modern Art/Licensed by SCALA/Art Resource, NY, Image via cdn.walkerartcenter.org